Los Disidentes: "Los Disidentes", grupo de y escritores que vivieron en París entre 1945 y 1950, crearon un movimiento de rechazo frente a las formas del arte y promovieron su renovación siguiendo las nuevas abstractas europeas. Varios artistas reacios a la enseñanza oficial de la escuela de Artes , tomaron rumbo a París para conocer las nuevas abstractas. Entre estos pintores figuraban: Pascual Navarro, Alejandro Otero, Manaure, Luis Guevara Moreno, Carlos González Bogen, Narciso Debourg, Perán Erminy, Rubén Núñez, Dora Hersen, Aimée Battistini. La cabeza intelectual del grupo, es el entonces estudiante de filosofía J.R. Guillén Pérez. En París publicaron una revista con el nombre del grupo, Los Disidentes, de la cual sólo se editaron cinco números. La primera, salió en 1950. Para el segundo número se habían sumado al grupo otros venezolanos. Las proposiciones de estos artistas giraban en torno al arte abstracto. Negaron completamente las representaciones de la realidad. Quisieron centrarse en problemas netamente plásticos, es decir, en una pintura sin ningún mensaje o retratista, en la que lo único importante es el , la luz, la textura, la composición, la construcción de las formas y los materiales. En otras palabras, rechazaron lo anecdótico o cualquier significado ajeno a la pintura misma. De esta manera, quisieron introducir el arte venezolano a las corrientes internacionales, que fueran más acorde con la época y más universal.
Corrientes Abstractas:
El Rayonismo: Movimiento artístico ruso creado por el pintor Mijaíl Larionov alrededor de 1910 y reconocido como una de las primeras manifestaciones del arte abstracto. En 1909, Larionov expuso una obra no figurativa, Cristal (Museo Guggenheim, Nueva York), en la que esbozaba los principios del rayonismo. Su búsqueda continuó con la creación del grupo Valet de Carreau y con la exposición La cola de asno (1912). En 1913 publicó el manifiesto del movimiento, redactado por él mismo y firmado por numerosos artistas, entre ellos su compañera Natalia Goncharova; más tarde inauguró una exposición rayonista titulada El blanco. Los cuadros de Larionov y de Goncharova presentan una abstracción a base de formas agudas entrecruzadas y sistemáticamente cortadas, que denotan un interés por movimientos como el cubismo, el futurismo o el orfismo. Sin embargo, el principio que defiende el rayonismo le es totalmente propio: basado en el descubrimiento científico de la radiactividad y de los rayos ultravioletas, propone plasmar la percepción de los rayos que emanan del objeto y la propagación rápida y simultánea de la luz. El color se convierte en el tema central de la obra; los rayos, dispuestos en la tela con longitud e intensidad variables, sugieren un universo irreal, regido únicamente por las leyes cromáticas y dinámicas. Sin embargo, gran número de pinturas rayonistas siguen siendo figurativas. En 1914 se celebró en París una exposición en la que se presentaron los trabajos de Larionov y de Goncharova, con el apoyo activo de Guillaume Apollinaire. El movimiento perderá fuerza con la llegada de la I Guerra Mundial, pero su influencia ha sido esencial en la evolución del arte contemporáneo.Caracteristicas:
- Utiliza formas espaciales que resultan del cruce de los rayos reflejados por los diferentes objetos.
- Rechaza lo individual y desarrolla la autonomía del cuadro.
- Simplicidad de las formas
- Uso restringido del color: Malevitch llega al blanco y negro.
Caracteristicas:
- Permite captar formas y colores pero no evoca asociaciones ni sentimientos.
- Se pretende expresar de una manera mística estados puros de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales.
- Supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas.
- Simplicidad de las formas: hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico.
- Uso restringido del color: se llega al uso exclusivo del blanco y el negro porque excitaban la emoción.
- El rojo es considerado el color por excelencia.
- Quiere transmitir la idea de que la realidad es espacio informe (blanco) y todas las diferenciaciones nominales y funcionales son una ilusión humana.
Características:
- Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental.
- Formas geométricas regulares y con ángulos rectos
- Uso de pocos colores: los puros (amarillo, rojo, azul) , y los neutros (blanco y negro)
- Nunca se recurre a la simetría
- Aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores.
- Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente)
- Actuación por medios plásticos "puros" (colores y líneas) con los que se pretende mayor claridad y precisión.
El informalismo y la pintura gestual
A principio de los años 60 empezaron en Caracas y en Maracaibo nuevos grupos de artistas visutales, simultáneamente con la entrada en escena de conceptos que venían a socavar el gusto dominante, generando con ello otras necesidades, otros planteamientos y connotaciones que cambiarían el rumbo de la vanguardia para imprimirle al arte de la década un carácter radicalmente contrario al de los años 50.
A principio de los años 60 empezaron en Caracas y en Maracaibo nuevos grupos de artistas visutales, simultáneamente con la entrada en escena de conceptos que venían a socavar el gusto dominante, generando con ello otras necesidades, otros planteamientos y connotaciones que cambiarían el rumbo de la vanguardia para imprimirle al arte de la década un carácter radicalmente contrario al de los años 50.
Dentro de la secuencia modernista, un movimiento artístico generalmente surge en el seno del que le precede, y como reacción contra éste, de forma tal que siempre encontraremos en la nueva formación de vanguardia una parte sustancial de los ingredientes de aquello contra lo cual ella reaccionó.
Por otro lado, a fines de 1959 el abstraccionismo geométrico daba signos de cansancio y agotamiento. Su actitud racionalista y el conformismo con que, llevado por su fe ciega en el progreso, se entronizó como arte institucionalizado, encontraron resistencia en las contradicciones de una época en la cual no tardarían en manifestarse los signos de la violencia y una actitud decididamente contestataria del orden; comenzó así a desconfiarse de la ciega creencia de que el arte está llamado a evolucionar en la misma forma en que la sociedad lo hace, impulsada por el progreso científico y tecnológico.
No es fácil definir el movimiento llamado a desplazar de la vanguardia al abstraccionismo geométrico. Se le conoció en Venezuela como informalismo o arte informal, término que, sin embargo, califica a manifestaciones muy diversas y a menudo anárquicas o caracterizadas por la libertad de los creadores, tanto en la escogencia de materiales y técnicas inusuales como en las libertades técnicas tomadas para elaborar la obra sin que interviniera una voluntad de organización y sin que el artista tuviera que atarse a ningún orden o esquema preestablecido.
En líneas generales lo informal significa ausencia de forma definida en una composición libremente resuelta y no sujeta a una estructura o plan previos, en franca oposición a la organización racional y programada que ofrecía la abstracción geométrica. En la elaboración informal predomina, por el contrario, un impulso instintivo e irracional. Sin embargo, el informalismo, como tendencia, encierra varios planteamientos. En su frente más vanguardista, por ejemplo, representa una concepción antiestética compartida por artistas que se decían estar en contra del gusto vigente y de toda pretensión de realizar obra de arte, bajo el supuesto de que más importante que el resultado era el proceso que conducía a éste. La obra realizada no consiste más que en la detención de su proceso en el punto en que sólo interesa mostrar cómo ella está hecha y cómo se emplearon los materiales. El proceso reside en el modo con que el artista dispone libremente de materiales no convencionales, como los que se tomaban del desecho orgánico o industrial para abrigar, al combinarlos, un propósito experimental que consistía en demostrar que podía hacerse uso de cualquier material sin comprometer en ello más que la satisfacción de una necesidad expresiva de signo antiestético subversivo.
Esta posición de vanguardia no era, por supuesto, sostenida en Venezuela más que por un pequeño grupo de artista familiarizados con los conceptos de ruptura. Entre estos artista debemos citar a los que protagonizaron en Maracaibo el Salón conocido como Espacios Vivientes, en el cual se reunieron en 1964 obras muy heterogéneas de artistas disidentes de la abstracción geométrica y de la nueva figuración. Espacios Vivientes era como el manifiesto del informalismo, en respaldo del cual fue montado luego, al año siguiente, en la Sala Mendoza de Caracas, el Salón Experimental.
Los informalistas proponían lo siguiente: demostrar la valide; de cualquier materia como medio de expresión; las obras llenan una finalidad contingente y no están llamadas a perseverar tras el esfuerzo de crearlas, pues no son concebidas como un arte perdurable hecho para los museos; lo visceral y existencial se enfrentan a lo formal y a lo bello. Ni el progreso científico ni la búsqueda continua de felicidad como consecuencia de los adelantos tecnológicos tienen que ver con el arte, pues éste no acompaña necesariamente al progreso humano. El arte debe reflejar el presente dinámico en que vive el hombre rodeado por una civilización que no sólo contiene productos acabados, sino también gran cantidad de desperdicios y desechos. Estos últimos deben ser recuperados para la existencia fidedigna de la obra. Expresarse sin ninguna sujeción a un principio o regla.
Entre los militantes activos del informalismo figuraron: Daniel González, quien fue uno de los primeros en utilizar materiales industriales, como las lacas usadas en el acabado de carrocería de carros, chatarra y piezas de desecho industrial, que combinaba de manera heteróclita para obtener tan pronto una pintura abstracta como una escultura figurativa, y sin pretender «expresarse~ en uno u otro género. Alberto Brandt, de sensibilidad poética, quien difundió en Caracas la técnica del norteamericano Jackson Pollock (dripping), que consistía en hacer chorrear desde cierta altura el pote de pintura industrial sobre un lienzo acostado en el piso. También como Brandt, Fernando Irazábal se fundaba en una técnica gestualista empleando como soporte grandes papeles donde imprimía signos casuales en forma de trazos de tinta china, que luego sometía a lavado de agua. Su técnica le pedía grandes formatos, igual que a José María Cruxent, quien combinaba el color industrial con materias orgánicas, como raíces, cortezas de árboles, estopa y otros, que le servían como texturas con el fin de producir un resultado abstracto, de aspecto revulsivo y antiestético. Muy cerca de Cruxent trabajó Maruja Rolando, quien hacía uso de técnicas azaristas, combinando para ello distintas texturas logradas con materiales orgánicos o sintéticos, como fibras o tejidos. En sus obras procuraba que el efecto trascendiera poéticamente a la ordinaria y cruda presencia de las sustancias orgánicas que pegaba al soporte de tela.
Por técnica gestual debe entenderse una manera de elaboración del cuadro en la cual intervienen no sólo las manos, sino también la totalidad del cuerpo. La expresividad visceral del arte informal estaba justificada por la intención del artista de ir contra la corriente. Esto se pudo apreciar, para dar un ejemplo, en el informalismo de Carlos Contramaestre, quien en 1961 presentó en el local de "El Techo de la Ballena" su polémica exposición Homenaje a la Necrofilia, de gran impacto en su momento, e integrada por cuadros en los que se habían pegado órganos disecados y huesos de reses, al lado de otros materiales de desecho. Buscaba con ello una impresión no sólo antiestética, sino también revulsiva, con todo lo cual se quería dar una metáfora de la descomposición del régimen que gobernaba a Venezuela. No se trataba, en el caso de Contramaestre, de hacer obra de arte, sino de preparar las condiciones para su negación. Se pretendía con esto un lenguaje crítico de repulsa al sistema.
Por otro lado, a fines de 1959 el abstraccionismo geométrico daba signos de cansancio y agotamiento. Su actitud racionalista y el conformismo con que, llevado por su fe ciega en el progreso, se entronizó como arte institucionalizado, encontraron resistencia en las contradicciones de una época en la cual no tardarían en manifestarse los signos de la violencia y una actitud decididamente contestataria del orden; comenzó así a desconfiarse de la ciega creencia de que el arte está llamado a evolucionar en la misma forma en que la sociedad lo hace, impulsada por el progreso científico y tecnológico.
No es fácil definir el movimiento llamado a desplazar de la vanguardia al abstraccionismo geométrico. Se le conoció en Venezuela como informalismo o arte informal, término que, sin embargo, califica a manifestaciones muy diversas y a menudo anárquicas o caracterizadas por la libertad de los creadores, tanto en la escogencia de materiales y técnicas inusuales como en las libertades técnicas tomadas para elaborar la obra sin que interviniera una voluntad de organización y sin que el artista tuviera que atarse a ningún orden o esquema preestablecido.
En líneas generales lo informal significa ausencia de forma definida en una composición libremente resuelta y no sujeta a una estructura o plan previos, en franca oposición a la organización racional y programada que ofrecía la abstracción geométrica. En la elaboración informal predomina, por el contrario, un impulso instintivo e irracional. Sin embargo, el informalismo, como tendencia, encierra varios planteamientos. En su frente más vanguardista, por ejemplo, representa una concepción antiestética compartida por artistas que se decían estar en contra del gusto vigente y de toda pretensión de realizar obra de arte, bajo el supuesto de que más importante que el resultado era el proceso que conducía a éste. La obra realizada no consiste más que en la detención de su proceso en el punto en que sólo interesa mostrar cómo ella está hecha y cómo se emplearon los materiales. El proceso reside en el modo con que el artista dispone libremente de materiales no convencionales, como los que se tomaban del desecho orgánico o industrial para abrigar, al combinarlos, un propósito experimental que consistía en demostrar que podía hacerse uso de cualquier material sin comprometer en ello más que la satisfacción de una necesidad expresiva de signo antiestético subversivo.
Esta posición de vanguardia no era, por supuesto, sostenida en Venezuela más que por un pequeño grupo de artista familiarizados con los conceptos de ruptura. Entre estos artista debemos citar a los que protagonizaron en Maracaibo el Salón conocido como Espacios Vivientes, en el cual se reunieron en 1964 obras muy heterogéneas de artistas disidentes de la abstracción geométrica y de la nueva figuración. Espacios Vivientes era como el manifiesto del informalismo, en respaldo del cual fue montado luego, al año siguiente, en la Sala Mendoza de Caracas, el Salón Experimental.
Los informalistas proponían lo siguiente: demostrar la valide; de cualquier materia como medio de expresión; las obras llenan una finalidad contingente y no están llamadas a perseverar tras el esfuerzo de crearlas, pues no son concebidas como un arte perdurable hecho para los museos; lo visceral y existencial se enfrentan a lo formal y a lo bello. Ni el progreso científico ni la búsqueda continua de felicidad como consecuencia de los adelantos tecnológicos tienen que ver con el arte, pues éste no acompaña necesariamente al progreso humano. El arte debe reflejar el presente dinámico en que vive el hombre rodeado por una civilización que no sólo contiene productos acabados, sino también gran cantidad de desperdicios y desechos. Estos últimos deben ser recuperados para la existencia fidedigna de la obra. Expresarse sin ninguna sujeción a un principio o regla.
Entre los militantes activos del informalismo figuraron: Daniel González, quien fue uno de los primeros en utilizar materiales industriales, como las lacas usadas en el acabado de carrocería de carros, chatarra y piezas de desecho industrial, que combinaba de manera heteróclita para obtener tan pronto una pintura abstracta como una escultura figurativa, y sin pretender «expresarse~ en uno u otro género. Alberto Brandt, de sensibilidad poética, quien difundió en Caracas la técnica del norteamericano Jackson Pollock (dripping), que consistía en hacer chorrear desde cierta altura el pote de pintura industrial sobre un lienzo acostado en el piso. También como Brandt, Fernando Irazábal se fundaba en una técnica gestualista empleando como soporte grandes papeles donde imprimía signos casuales en forma de trazos de tinta china, que luego sometía a lavado de agua. Su técnica le pedía grandes formatos, igual que a José María Cruxent, quien combinaba el color industrial con materias orgánicas, como raíces, cortezas de árboles, estopa y otros, que le servían como texturas con el fin de producir un resultado abstracto, de aspecto revulsivo y antiestético. Muy cerca de Cruxent trabajó Maruja Rolando, quien hacía uso de técnicas azaristas, combinando para ello distintas texturas logradas con materiales orgánicos o sintéticos, como fibras o tejidos. En sus obras procuraba que el efecto trascendiera poéticamente a la ordinaria y cruda presencia de las sustancias orgánicas que pegaba al soporte de tela.
Por técnica gestual debe entenderse una manera de elaboración del cuadro en la cual intervienen no sólo las manos, sino también la totalidad del cuerpo. La expresividad visceral del arte informal estaba justificada por la intención del artista de ir contra la corriente. Esto se pudo apreciar, para dar un ejemplo, en el informalismo de Carlos Contramaestre, quien en 1961 presentó en el local de "El Techo de la Ballena" su polémica exposición Homenaje a la Necrofilia, de gran impacto en su momento, e integrada por cuadros en los que se habían pegado órganos disecados y huesos de reses, al lado de otros materiales de desecho. Buscaba con ello una impresión no sólo antiestética, sino también revulsiva, con todo lo cual se quería dar una metáfora de la descomposición del régimen que gobernaba a Venezuela. No se trataba, en el caso de Contramaestre, de hacer obra de arte, sino de preparar las condiciones para su negación. Se pretendía con esto un lenguaje crítico de repulsa al sistema.
Jesús Soto
Jesús Soto (Ciudad Bolívar, 5 de junio de 1923 - París, 14 de enero de 2005) fue un artista venezolano. Es un importante creador del arte cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50.
Biografía
Estudió en la Escuela de Artes en Caracas, donde conoce a Carlos Cruz-Díez y Alejandro Otero.
Desde los años 70 hasta los 90 los trabajos de Soto son expuestos en lugares como el MOMA y Museo Guggenheim de Nueva York, Centro Georges Pompidou en París y la Bienal de Venecia de 1966 y la Bienal de São Paulo en 1996.Un trabajo de Soto adorna el techo del salón principal del Teatro Teresa Carreño, en Caracas, y otro, una parte del interior de la estación Chacaito del Metro de Caracas. Este último se extiende hasta el exterior de la estación y se puede ver desde la superficie, en la Plaza Brión de Chacaíto. “La Esfera Soto”, se encuentra en la Autopista Francisco Fajardo, la cual fue recientemente reconstruida.
En su honor, el gobierno de Venezuela inauguró el Museo Jesús Soto en Ciudad Bolívar en 1973. Soto fue el Padre del Cinetismo
Soto y París
Igualmente, el reciente lanzamiento del joven pintor Bernard Buffet, de 22 años, era de una gran actualidad; Buffet era un artista figurativo de bodegones y de figuras alargadas y esqueléticas que reflejaban imágenes de la posguerra. Artista lanzado al mundo del arte por un hábil marchante de cuadros para hacerle frente a la abstracción lírica y gestual. Era el artista que todas las galerías deseaban exponer. El crítico de arte Michel Tapié publicó el libro Art autre (Arte Otro). El Arte Informal y gestual dominaba la escena artística parisina, siendo una de sus estrellas el francés Georges Mathieu.
En Rusia la vanguardia artística de comienzos de siglos veinte y el Manifiesto Realista de Naum Gabo y de Pevsner, donde se empleó por primera vez la palabra cinética, se comentaba poco. Había un gran vacío, muchos artistas habían emigrado a los Estados Unidos, sobre todo a la ciudad de Nueva York. En la década de 1920, Marcel Duchamp realizó los Ready- mades y obras con movimientos. Piet Mondrian, quien vivía en esta ciudad desde 1940, continuaba en sus búsquedas, muere en 1944. Europa tenía muy reciente el recuerdo de la guerra, y sobre todo el holocausto. Muchos artistas querían hacer una pintura libre y que se alejara de la figuración. Obras de gestos, manchas y texturas su amigo de toda la vida José Ramón García oriundo de la ciudad de Maturín hijo de la ilustre doña María, lo acompaño en todos sus viajes por el mundo.
Los conceptos de la Bauhaus, el Stijl, la obra de Kasimir Malévich, Mondrian, y el arte geométrico, a los artistas en su mayoría no les interesaba, a pesar de las experiencias del Grupo y de la revista Círculo y Cuadrado(1930) de Abstraction-Création (1931) donde habían estado el uruguayo Torres García, Kandinsky, Pevsner y muchos otros. Los pintores Víctor Vasarely y Augusto Hervin hacían sus experiencias en el arte geométrico. La Galería Denise René inaugurada en 1944, mostraba las primeras obras de Vasarely y de otros artistas abstractos geométricos, o la Academia de arte abstracto donde los pintores Dewasne y Pillet (década de los 50) enseñaban nuevas búsquedas y la utilización de modernos materiales, como la formica y el plexiglás. El Grupo Madi formado por latinoamericanos como el uruguayo Carmelo Arden Quin, el argentino Gyula Kosice -quien lo bautizó- y el venezolano Luis Guevara Moreno y otros, habían roto con el formato rectangular o cuadrado, y donde había obras transformables y formas abstractas geométricas.
“Los Disidentes”, a finales de la década de los 40, y más tarde Soto van a estudiar las obras y planteamientos de Piet Mondrian, De Stijl, La Bauhaus, Malevich, Molí-Nagy, Gabo y Pevsner.
En Paris, el grupo “Los Disidentes” con planteamientos abstractos geométricos, formado por los artistas: Alejandro Otero, Mateo Manaure, Pascual Navarro, Luis Guevara Moreno, Perán Erminy, Rubén Núñez, Aimée Battistini y otros. Ellos habían tomado una posición crítica hacia el arte figurativo que se realizaba en ese momento en Venezuela. Su no rotundo a la pintura tradicional, no a la Escuela de Artes Plásticas, no a los falsos salones de Arte Oficial(...) Éste grupo optó por la tendencia de la abstracción geométrica. Algunos habían regresado a Venezuela, y se dedicaron a trabajar en la integración del arte en la Ciudad Universitaria y en otros edificios públicos.
En esa atmósfera llega a Paris Jesús Rafael Soto, pero él, así como muchos otros artistas venezolanos tenían frescas en sus memorias las enseñanzas de Antonio Edmundo Monsanto (1890-1948) quien, había sido director de la Escuela de Artes de Caracas. Él, les había sensibilizado con los planteamientos de Paúl Cezanne, que todo “se reduce al cubo, al cono y al cilindro” Conocían las obras de Mondrian, Picasso, Braque y el cubismo por litografías. El maestro Soto se decepciona de lo que se estaba haciendo en Paris y aprovecha que un amigo va con su carro para Ámsterdam y parte al encuentro de las obras de Van Gogh y de Mondrian.
Las interrogantes de ese joven artista de 27 años, aún con el fresco recuerdo de Maracaibo y, con una obra con influencias Cezaniana. Soto va a comenzar a trabajar a partir de Mondrian, Malévich y a reunirse con artistas como Tanguily, Calder, Vasarely... Estos creadores tenían un gran interés por el movimiento real o virtual. Los artistas empleaban materiales extra-pictóricos, como plásticos, metal, alambres, motores, etc. Al comienzo del siglo XX, los constructivistas Rusos y en especial Vladímir Tatlin y Naun Gabo, Moholy-Nagy, Antoine Pevsner, habían utilizado estos materiales en sus creaciones plásticas.
Todavía en la década de los 60 ciertos artistas latinoamericanos decían: “Soto lo que hace es: rayitas”. Él calladamente, como un monje Zen, inmutable, concentrado en sus búsquedas, estudiando y planteándose ideas nuevas, buscando nuevas salidas a sus planteamientos plásticos. Tocando guitarra, para vivir y poder hacer su obra y dando a conocer la música venezolana y de otros países de América del Sur.
El efecto Muaré siempre había estado en la naturaleza; él observó como se producía en su obra, esto va a ser un descubrimiento para el maestro Soto. Lo que él llamo “visión del movimiento”; ahí, probando sobre dos superficies una de madera rayada y otra rayada en una superficie de plexiglás, o con tres de plexiglás, acercándola y alejándolas, colocándolas a 6-10-15-20 o más centímetros observó como se movían por desplazamiento del espectador. Pronto las líneas se movieron y así nacen muchas obras entre ellas “Espiral” o “La cajita para Villanueva” y más tarde “Los penetrables” y un sin número de obras, de diferente formatos y colores. La participación en la exposición “Movimiento” en el año 1955, donde están presentes los artistas: Alexander Calder, Bury, Tinguely, Duchamp, Agam, Jacobsen, Vasarely en la Galería Denise René. Con esa constancia, con esa voluntad apolínea, con esa gran sensibilidad desarrolló su obra, con serenidad, humildad e investigación, convirtiéndose en uno de los creadores plásticos más importante del siglo XX, y hoy cuando apenas comenzamos el siglo XXI, nos daremos cuenta con los años de la importancia de su creación y, del gran aporte al arte universal. El maestro Jesús Rafael Soto es uno de los más trascendentales artistas del Siglo veinte.
Jesús Soto, falleció a los 81 años de edad, en su residencia en París, el 14 de enero de 2005.
El ministro francés de Cultura y Comunicación, para el momento de su muerte, declaró al referirse a Soto lo siguiente: "verdadero desafío a la imaginación, sus obras, expuestas en el mundo entero, son un llamado a liberar las líneas y las formas de la prisión de la mirada y de las apariencias".
