Los Disidentes: "Los Disidentes", grupo de y escritores que vivieron en París entre 1945 y 1950, crearon un movimiento de rechazo frente a las formas del arte y promovieron su renovación siguiendo las nuevas abstractas europeas. Varios artistas reacios a la enseñanza oficial de la escuela de Artes , tomaron rumbo a París para conocer las nuevas abstractas. Entre estos pintores figuraban: Pascual Navarro, Alejandro Otero, Manaure, Luis Guevara Moreno, Carlos González Bogen, Narciso Debourg, Perán Erminy, Rubén Núñez, Dora Hersen, Aimée Battistini. La cabeza intelectual del grupo, es el entonces estudiante de filosofía J.R. Guillén Pérez. En París publicaron una revista con el nombre del grupo, Los Disidentes, de la cual sólo se editaron cinco números. La primera, salió en 1950. Para el segundo número se habían sumado al grupo otros venezolanos. Las proposiciones de estos artistas giraban en torno al arte abstracto. Negaron completamente las representaciones de la realidad. Quisieron centrarse en problemas netamente plásticos, es decir, en una pintura sin ningún mensaje o retratista, en la que lo único importante es el , la luz, la textura, la composición, la construcción de las formas y los materiales. En otras palabras, rechazaron lo anecdótico o cualquier significado ajeno a la pintura misma. De esta manera, quisieron introducir el arte venezolano a las corrientes internacionales, que fueran más acorde con la época y más universal.
Corrientes Abstractas:
El Rayonismo: Movimiento artístico ruso creado por el pintor Mijaíl Larionov alrededor de 1910 y reconocido como una de las primeras manifestaciones del arte abstracto. En 1909, Larionov expuso una obra no figurativa, Cristal (Museo Guggenheim, Nueva York), en la que esbozaba los principios del rayonismo. Su búsqueda continuó con la creación del grupo Valet de Carreau y con la exposición La cola de asno (1912). En 1913 publicó el manifiesto del movimiento, redactado por él mismo y firmado por numerosos artistas, entre ellos su compañera Natalia Goncharova; más tarde inauguró una exposición rayonista titulada El blanco. Los cuadros de Larionov y de Goncharova presentan una abstracción a base de formas agudas entrecruzadas y sistemáticamente cortadas, que denotan un interés por movimientos como el cubismo, el futurismo o el orfismo. Sin embargo, el principio que defiende el rayonismo le es totalmente propio: basado en el descubrimiento científico de la radiactividad y de los rayos ultravioletas, propone plasmar la percepción de los rayos que emanan del objeto y la propagación rápida y simultánea de la luz. El color se convierte en el tema central de la obra; los rayos, dispuestos en la tela con longitud e intensidad variables, sugieren un universo irreal, regido únicamente por las leyes cromáticas y dinámicas. Sin embargo, gran número de pinturas rayonistas siguen siendo figurativas. En 1914 se celebró en París una exposición en la que se presentaron los trabajos de Larionov y de Goncharova, con el apoyo activo de Guillaume Apollinaire. El movimiento perderá fuerza con la llegada de la I Guerra Mundial, pero su influencia ha sido esencial en la evolución del arte contemporáneo.Caracteristicas:
- Utiliza formas espaciales que resultan del cruce de los rayos reflejados por los diferentes objetos.
- Rechaza lo individual y desarrolla la autonomía del cuadro.
- Simplicidad de las formas
- Uso restringido del color: Malevitch llega al blanco y negro.
Caracteristicas:
- Permite captar formas y colores pero no evoca asociaciones ni sentimientos.
- Se pretende expresar de una manera mística estados puros de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales.
- Supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas.
- Simplicidad de las formas: hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico.
- Uso restringido del color: se llega al uso exclusivo del blanco y el negro porque excitaban la emoción.
- El rojo es considerado el color por excelencia.
- Quiere transmitir la idea de que la realidad es espacio informe (blanco) y todas las diferenciaciones nominales y funcionales son una ilusión humana.
Características:
- Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental.
- Formas geométricas regulares y con ángulos rectos
- Uso de pocos colores: los puros (amarillo, rojo, azul) , y los neutros (blanco y negro)
- Nunca se recurre a la simetría
- Aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores.
- Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente)
- Actuación por medios plásticos "puros" (colores y líneas) con los que se pretende mayor claridad y precisión.
El informalismo y la pintura gestual
A principio de los años 60 empezaron en Caracas y en Maracaibo nuevos grupos de artistas visutales, simultáneamente con la entrada en escena de conceptos que venían a socavar el gusto dominante, generando con ello otras necesidades, otros planteamientos y connotaciones que cambiarían el rumbo de la vanguardia para imprimirle al arte de la década un carácter radicalmente contrario al de los años 50.
A principio de los años 60 empezaron en Caracas y en Maracaibo nuevos grupos de artistas visutales, simultáneamente con la entrada en escena de conceptos que venían a socavar el gusto dominante, generando con ello otras necesidades, otros planteamientos y connotaciones que cambiarían el rumbo de la vanguardia para imprimirle al arte de la década un carácter radicalmente contrario al de los años 50.
Dentro de la secuencia modernista, un movimiento artístico generalmente surge en el seno del que le precede, y como reacción contra éste, de forma tal que siempre encontraremos en la nueva formación de vanguardia una parte sustancial de los ingredientes de aquello contra lo cual ella reaccionó.
Por otro lado, a fines de 1959 el abstraccionismo geométrico daba signos de cansancio y agotamiento. Su actitud racionalista y el conformismo con que, llevado por su fe ciega en el progreso, se entronizó como arte institucionalizado, encontraron resistencia en las contradicciones de una época en la cual no tardarían en manifestarse los signos de la violencia y una actitud decididamente contestataria del orden; comenzó así a desconfiarse de la ciega creencia de que el arte está llamado a evolucionar en la misma forma en que la sociedad lo hace, impulsada por el progreso científico y tecnológico.
No es fácil definir el movimiento llamado a desplazar de la vanguardia al abstraccionismo geométrico. Se le conoció en Venezuela como informalismo o arte informal, término que, sin embargo, califica a manifestaciones muy diversas y a menudo anárquicas o caracterizadas por la libertad de los creadores, tanto en la escogencia de materiales y técnicas inusuales como en las libertades técnicas tomadas para elaborar la obra sin que interviniera una voluntad de organización y sin que el artista tuviera que atarse a ningún orden o esquema preestablecido.
En líneas generales lo informal significa ausencia de forma definida en una composición libremente resuelta y no sujeta a una estructura o plan previos, en franca oposición a la organización racional y programada que ofrecía la abstracción geométrica. En la elaboración informal predomina, por el contrario, un impulso instintivo e irracional. Sin embargo, el informalismo, como tendencia, encierra varios planteamientos. En su frente más vanguardista, por ejemplo, representa una concepción antiestética compartida por artistas que se decían estar en contra del gusto vigente y de toda pretensión de realizar obra de arte, bajo el supuesto de que más importante que el resultado era el proceso que conducía a éste. La obra realizada no consiste más que en la detención de su proceso en el punto en que sólo interesa mostrar cómo ella está hecha y cómo se emplearon los materiales. El proceso reside en el modo con que el artista dispone libremente de materiales no convencionales, como los que se tomaban del desecho orgánico o industrial para abrigar, al combinarlos, un propósito experimental que consistía en demostrar que podía hacerse uso de cualquier material sin comprometer en ello más que la satisfacción de una necesidad expresiva de signo antiestético subversivo.
Esta posición de vanguardia no era, por supuesto, sostenida en Venezuela más que por un pequeño grupo de artista familiarizados con los conceptos de ruptura. Entre estos artista debemos citar a los que protagonizaron en Maracaibo el Salón conocido como Espacios Vivientes, en el cual se reunieron en 1964 obras muy heterogéneas de artistas disidentes de la abstracción geométrica y de la nueva figuración. Espacios Vivientes era como el manifiesto del informalismo, en respaldo del cual fue montado luego, al año siguiente, en la Sala Mendoza de Caracas, el Salón Experimental.
Los informalistas proponían lo siguiente: demostrar la valide; de cualquier materia como medio de expresión; las obras llenan una finalidad contingente y no están llamadas a perseverar tras el esfuerzo de crearlas, pues no son concebidas como un arte perdurable hecho para los museos; lo visceral y existencial se enfrentan a lo formal y a lo bello. Ni el progreso científico ni la búsqueda continua de felicidad como consecuencia de los adelantos tecnológicos tienen que ver con el arte, pues éste no acompaña necesariamente al progreso humano. El arte debe reflejar el presente dinámico en que vive el hombre rodeado por una civilización que no sólo contiene productos acabados, sino también gran cantidad de desperdicios y desechos. Estos últimos deben ser recuperados para la existencia fidedigna de la obra. Expresarse sin ninguna sujeción a un principio o regla.
Entre los militantes activos del informalismo figuraron: Daniel González, quien fue uno de los primeros en utilizar materiales industriales, como las lacas usadas en el acabado de carrocería de carros, chatarra y piezas de desecho industrial, que combinaba de manera heteróclita para obtener tan pronto una pintura abstracta como una escultura figurativa, y sin pretender «expresarse~ en uno u otro género. Alberto Brandt, de sensibilidad poética, quien difundió en Caracas la técnica del norteamericano Jackson Pollock (dripping), que consistía en hacer chorrear desde cierta altura el pote de pintura industrial sobre un lienzo acostado en el piso. También como Brandt, Fernando Irazábal se fundaba en una técnica gestualista empleando como soporte grandes papeles donde imprimía signos casuales en forma de trazos de tinta china, que luego sometía a lavado de agua. Su técnica le pedía grandes formatos, igual que a José María Cruxent, quien combinaba el color industrial con materias orgánicas, como raíces, cortezas de árboles, estopa y otros, que le servían como texturas con el fin de producir un resultado abstracto, de aspecto revulsivo y antiestético. Muy cerca de Cruxent trabajó Maruja Rolando, quien hacía uso de técnicas azaristas, combinando para ello distintas texturas logradas con materiales orgánicos o sintéticos, como fibras o tejidos. En sus obras procuraba que el efecto trascendiera poéticamente a la ordinaria y cruda presencia de las sustancias orgánicas que pegaba al soporte de tela.
Por técnica gestual debe entenderse una manera de elaboración del cuadro en la cual intervienen no sólo las manos, sino también la totalidad del cuerpo. La expresividad visceral del arte informal estaba justificada por la intención del artista de ir contra la corriente. Esto se pudo apreciar, para dar un ejemplo, en el informalismo de Carlos Contramaestre, quien en 1961 presentó en el local de "El Techo de la Ballena" su polémica exposición Homenaje a la Necrofilia, de gran impacto en su momento, e integrada por cuadros en los que se habían pegado órganos disecados y huesos de reses, al lado de otros materiales de desecho. Buscaba con ello una impresión no sólo antiestética, sino también revulsiva, con todo lo cual se quería dar una metáfora de la descomposición del régimen que gobernaba a Venezuela. No se trataba, en el caso de Contramaestre, de hacer obra de arte, sino de preparar las condiciones para su negación. Se pretendía con esto un lenguaje crítico de repulsa al sistema.
Por otro lado, a fines de 1959 el abstraccionismo geométrico daba signos de cansancio y agotamiento. Su actitud racionalista y el conformismo con que, llevado por su fe ciega en el progreso, se entronizó como arte institucionalizado, encontraron resistencia en las contradicciones de una época en la cual no tardarían en manifestarse los signos de la violencia y una actitud decididamente contestataria del orden; comenzó así a desconfiarse de la ciega creencia de que el arte está llamado a evolucionar en la misma forma en que la sociedad lo hace, impulsada por el progreso científico y tecnológico.
No es fácil definir el movimiento llamado a desplazar de la vanguardia al abstraccionismo geométrico. Se le conoció en Venezuela como informalismo o arte informal, término que, sin embargo, califica a manifestaciones muy diversas y a menudo anárquicas o caracterizadas por la libertad de los creadores, tanto en la escogencia de materiales y técnicas inusuales como en las libertades técnicas tomadas para elaborar la obra sin que interviniera una voluntad de organización y sin que el artista tuviera que atarse a ningún orden o esquema preestablecido.
En líneas generales lo informal significa ausencia de forma definida en una composición libremente resuelta y no sujeta a una estructura o plan previos, en franca oposición a la organización racional y programada que ofrecía la abstracción geométrica. En la elaboración informal predomina, por el contrario, un impulso instintivo e irracional. Sin embargo, el informalismo, como tendencia, encierra varios planteamientos. En su frente más vanguardista, por ejemplo, representa una concepción antiestética compartida por artistas que se decían estar en contra del gusto vigente y de toda pretensión de realizar obra de arte, bajo el supuesto de que más importante que el resultado era el proceso que conducía a éste. La obra realizada no consiste más que en la detención de su proceso en el punto en que sólo interesa mostrar cómo ella está hecha y cómo se emplearon los materiales. El proceso reside en el modo con que el artista dispone libremente de materiales no convencionales, como los que se tomaban del desecho orgánico o industrial para abrigar, al combinarlos, un propósito experimental que consistía en demostrar que podía hacerse uso de cualquier material sin comprometer en ello más que la satisfacción de una necesidad expresiva de signo antiestético subversivo.
Esta posición de vanguardia no era, por supuesto, sostenida en Venezuela más que por un pequeño grupo de artista familiarizados con los conceptos de ruptura. Entre estos artista debemos citar a los que protagonizaron en Maracaibo el Salón conocido como Espacios Vivientes, en el cual se reunieron en 1964 obras muy heterogéneas de artistas disidentes de la abstracción geométrica y de la nueva figuración. Espacios Vivientes era como el manifiesto del informalismo, en respaldo del cual fue montado luego, al año siguiente, en la Sala Mendoza de Caracas, el Salón Experimental.
Los informalistas proponían lo siguiente: demostrar la valide; de cualquier materia como medio de expresión; las obras llenan una finalidad contingente y no están llamadas a perseverar tras el esfuerzo de crearlas, pues no son concebidas como un arte perdurable hecho para los museos; lo visceral y existencial se enfrentan a lo formal y a lo bello. Ni el progreso científico ni la búsqueda continua de felicidad como consecuencia de los adelantos tecnológicos tienen que ver con el arte, pues éste no acompaña necesariamente al progreso humano. El arte debe reflejar el presente dinámico en que vive el hombre rodeado por una civilización que no sólo contiene productos acabados, sino también gran cantidad de desperdicios y desechos. Estos últimos deben ser recuperados para la existencia fidedigna de la obra. Expresarse sin ninguna sujeción a un principio o regla.
Entre los militantes activos del informalismo figuraron: Daniel González, quien fue uno de los primeros en utilizar materiales industriales, como las lacas usadas en el acabado de carrocería de carros, chatarra y piezas de desecho industrial, que combinaba de manera heteróclita para obtener tan pronto una pintura abstracta como una escultura figurativa, y sin pretender «expresarse~ en uno u otro género. Alberto Brandt, de sensibilidad poética, quien difundió en Caracas la técnica del norteamericano Jackson Pollock (dripping), que consistía en hacer chorrear desde cierta altura el pote de pintura industrial sobre un lienzo acostado en el piso. También como Brandt, Fernando Irazábal se fundaba en una técnica gestualista empleando como soporte grandes papeles donde imprimía signos casuales en forma de trazos de tinta china, que luego sometía a lavado de agua. Su técnica le pedía grandes formatos, igual que a José María Cruxent, quien combinaba el color industrial con materias orgánicas, como raíces, cortezas de árboles, estopa y otros, que le servían como texturas con el fin de producir un resultado abstracto, de aspecto revulsivo y antiestético. Muy cerca de Cruxent trabajó Maruja Rolando, quien hacía uso de técnicas azaristas, combinando para ello distintas texturas logradas con materiales orgánicos o sintéticos, como fibras o tejidos. En sus obras procuraba que el efecto trascendiera poéticamente a la ordinaria y cruda presencia de las sustancias orgánicas que pegaba al soporte de tela.
Por técnica gestual debe entenderse una manera de elaboración del cuadro en la cual intervienen no sólo las manos, sino también la totalidad del cuerpo. La expresividad visceral del arte informal estaba justificada por la intención del artista de ir contra la corriente. Esto se pudo apreciar, para dar un ejemplo, en el informalismo de Carlos Contramaestre, quien en 1961 presentó en el local de "El Techo de la Ballena" su polémica exposición Homenaje a la Necrofilia, de gran impacto en su momento, e integrada por cuadros en los que se habían pegado órganos disecados y huesos de reses, al lado de otros materiales de desecho. Buscaba con ello una impresión no sólo antiestética, sino también revulsiva, con todo lo cual se quería dar una metáfora de la descomposición del régimen que gobernaba a Venezuela. No se trataba, en el caso de Contramaestre, de hacer obra de arte, sino de preparar las condiciones para su negación. Se pretendía con esto un lenguaje crítico de repulsa al sistema.
Jesús Soto
Jesús Soto (Ciudad Bolívar, 5 de junio de 1923 - París, 14 de enero de 2005) fue un artista venezolano. Es un importante creador del arte cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50.
Biografía
Estudió en la Escuela de Artes en Caracas, donde conoce a Carlos Cruz-Díez y Alejandro Otero.
Desde los años 70 hasta los 90 los trabajos de Soto son expuestos en lugares como el MOMA y Museo Guggenheim de Nueva York, Centro Georges Pompidou en París y la Bienal de Venecia de 1966 y la Bienal de São Paulo en 1996.Un trabajo de Soto adorna el techo del salón principal del Teatro Teresa Carreño, en Caracas, y otro, una parte del interior de la estación Chacaito del Metro de Caracas. Este último se extiende hasta el exterior de la estación y se puede ver desde la superficie, en la Plaza Brión de Chacaíto. “La Esfera Soto”, se encuentra en la Autopista Francisco Fajardo, la cual fue recientemente reconstruida.
En su honor, el gobierno de Venezuela inauguró el Museo Jesús Soto en Ciudad Bolívar en 1973. Soto fue el Padre del Cinetismo
Soto y París
Igualmente, el reciente lanzamiento del joven pintor Bernard Buffet, de 22 años, era de una gran actualidad; Buffet era un artista figurativo de bodegones y de figuras alargadas y esqueléticas que reflejaban imágenes de la posguerra. Artista lanzado al mundo del arte por un hábil marchante de cuadros para hacerle frente a la abstracción lírica y gestual. Era el artista que todas las galerías deseaban exponer. El crítico de arte Michel Tapié publicó el libro Art autre (Arte Otro). El Arte Informal y gestual dominaba la escena artística parisina, siendo una de sus estrellas el francés Georges Mathieu.
En Rusia la vanguardia artística de comienzos de siglos veinte y el Manifiesto Realista de Naum Gabo y de Pevsner, donde se empleó por primera vez la palabra cinética, se comentaba poco. Había un gran vacío, muchos artistas habían emigrado a los Estados Unidos, sobre todo a la ciudad de Nueva York. En la década de 1920, Marcel Duchamp realizó los Ready- mades y obras con movimientos. Piet Mondrian, quien vivía en esta ciudad desde 1940, continuaba en sus búsquedas, muere en 1944. Europa tenía muy reciente el recuerdo de la guerra, y sobre todo el holocausto. Muchos artistas querían hacer una pintura libre y que se alejara de la figuración. Obras de gestos, manchas y texturas su amigo de toda la vida José Ramón García oriundo de la ciudad de Maturín hijo de la ilustre doña María, lo acompaño en todos sus viajes por el mundo.
Los conceptos de la Bauhaus, el Stijl, la obra de Kasimir Malévich, Mondrian, y el arte geométrico, a los artistas en su mayoría no les interesaba, a pesar de las experiencias del Grupo y de la revista Círculo y Cuadrado(1930) de Abstraction-Création (1931) donde habían estado el uruguayo Torres García, Kandinsky, Pevsner y muchos otros. Los pintores Víctor Vasarely y Augusto Hervin hacían sus experiencias en el arte geométrico. La Galería Denise René inaugurada en 1944, mostraba las primeras obras de Vasarely y de otros artistas abstractos geométricos, o la Academia de arte abstracto donde los pintores Dewasne y Pillet (década de los 50) enseñaban nuevas búsquedas y la utilización de modernos materiales, como la formica y el plexiglás. El Grupo Madi formado por latinoamericanos como el uruguayo Carmelo Arden Quin, el argentino Gyula Kosice -quien lo bautizó- y el venezolano Luis Guevara Moreno y otros, habían roto con el formato rectangular o cuadrado, y donde había obras transformables y formas abstractas geométricas.
“Los Disidentes”, a finales de la década de los 40, y más tarde Soto van a estudiar las obras y planteamientos de Piet Mondrian, De Stijl, La Bauhaus, Malevich, Molí-Nagy, Gabo y Pevsner.
En Paris, el grupo “Los Disidentes” con planteamientos abstractos geométricos, formado por los artistas: Alejandro Otero, Mateo Manaure, Pascual Navarro, Luis Guevara Moreno, Perán Erminy, Rubén Núñez, Aimée Battistini y otros. Ellos habían tomado una posición crítica hacia el arte figurativo que se realizaba en ese momento en Venezuela. Su no rotundo a la pintura tradicional, no a la Escuela de Artes Plásticas, no a los falsos salones de Arte Oficial(...) Éste grupo optó por la tendencia de la abstracción geométrica. Algunos habían regresado a Venezuela, y se dedicaron a trabajar en la integración del arte en la Ciudad Universitaria y en otros edificios públicos.
En esa atmósfera llega a Paris Jesús Rafael Soto, pero él, así como muchos otros artistas venezolanos tenían frescas en sus memorias las enseñanzas de Antonio Edmundo Monsanto (1890-1948) quien, había sido director de la Escuela de Artes de Caracas. Él, les había sensibilizado con los planteamientos de Paúl Cezanne, que todo “se reduce al cubo, al cono y al cilindro” Conocían las obras de Mondrian, Picasso, Braque y el cubismo por litografías. El maestro Soto se decepciona de lo que se estaba haciendo en Paris y aprovecha que un amigo va con su carro para Ámsterdam y parte al encuentro de las obras de Van Gogh y de Mondrian.
Las interrogantes de ese joven artista de 27 años, aún con el fresco recuerdo de Maracaibo y, con una obra con influencias Cezaniana. Soto va a comenzar a trabajar a partir de Mondrian, Malévich y a reunirse con artistas como Tanguily, Calder, Vasarely... Estos creadores tenían un gran interés por el movimiento real o virtual. Los artistas empleaban materiales extra-pictóricos, como plásticos, metal, alambres, motores, etc. Al comienzo del siglo XX, los constructivistas Rusos y en especial Vladímir Tatlin y Naun Gabo, Moholy-Nagy, Antoine Pevsner, habían utilizado estos materiales en sus creaciones plásticas.
Todavía en la década de los 60 ciertos artistas latinoamericanos decían: “Soto lo que hace es: rayitas”. Él calladamente, como un monje Zen, inmutable, concentrado en sus búsquedas, estudiando y planteándose ideas nuevas, buscando nuevas salidas a sus planteamientos plásticos. Tocando guitarra, para vivir y poder hacer su obra y dando a conocer la música venezolana y de otros países de América del Sur.
El efecto Muaré siempre había estado en la naturaleza; él observó como se producía en su obra, esto va a ser un descubrimiento para el maestro Soto. Lo que él llamo “visión del movimiento”; ahí, probando sobre dos superficies una de madera rayada y otra rayada en una superficie de plexiglás, o con tres de plexiglás, acercándola y alejándolas, colocándolas a 6-10-15-20 o más centímetros observó como se movían por desplazamiento del espectador. Pronto las líneas se movieron y así nacen muchas obras entre ellas “Espiral” o “La cajita para Villanueva” y más tarde “Los penetrables” y un sin número de obras, de diferente formatos y colores. La participación en la exposición “Movimiento” en el año 1955, donde están presentes los artistas: Alexander Calder, Bury, Tinguely, Duchamp, Agam, Jacobsen, Vasarely en la Galería Denise René. Con esa constancia, con esa voluntad apolínea, con esa gran sensibilidad desarrolló su obra, con serenidad, humildad e investigación, convirtiéndose en uno de los creadores plásticos más importante del siglo XX, y hoy cuando apenas comenzamos el siglo XXI, nos daremos cuenta con los años de la importancia de su creación y, del gran aporte al arte universal. El maestro Jesús Rafael Soto es uno de los más trascendentales artistas del Siglo veinte.
Jesús Soto, falleció a los 81 años de edad, en su residencia en París, el 14 de enero de 2005.
El ministro francés de Cultura y Comunicación, para el momento de su muerte, declaró al referirse a Soto lo siguiente: "verdadero desafío a la imaginación, sus obras, expuestas en el mundo entero, son un llamado a liberar las líneas y las formas de la prisión de la mirada y de las apariencias".
Audiovisual
Audiovisual es un adjetivo que hace referencia conjuntamente al oído y a la vista. Lo audiovisual, por lo tanto, emplea ambos sentidos a la vez.
La utilización más frecuente del concepto está vinculada al formato de difusión de contenidos que se vale de imágenes ópticas acompañadas por grabaciones acústicas. Un material audiovisual es visto y oído por el espectador.Hoy se entiende como lenguaje audiovisual a aquel que se transmite mediante los sentidos del oído y de la vista. La televisión, Internet y el cine son ejemplos de manifestaciones audiovisuales. La integración del sonido y la imagen se conoce como montaje.
Cabe destacar que el lenguaje audiovisual excede al sonido y la imagen ya que se plasma en distintos soportes físicos, como un DVD o una cinta, que permiten consolidar el material de manera simultánea.
La comunicación audiovisual, por su parte, es el intercambio de mensajes que utilizan el lenguaje que combina información sonora y visual.
Al recibir de manera simultánea el audio y la imagen, se crea una nueva realidad sensorial que implica la puesta en marcha de distintos mecanismos, como la complementariedad (ambos aportan cosas distintas), el refuerzo (se potencian los significados) y la armonía (a cada sonido le corresponde una imagen).
Objetivos de la carrera
Satisfacer las exigencias comunicacionales conjugando imágenes y sonidos, con estética, para dar forma a un lenguaje audiovisual.Perfil Profesional
Profesional que crea y gestiona proyectos y programas audiovisuales para llegar a sectores de la vida cultural, educativa, social y económica. Comprende su entorno y maneja conceptos de seducción y espectáculo, utilizando los mismos códigos, estructuras de lenguaje y de signos que el receptor.
Desarrolla productos audiovisuales, desde la creación de los contenidos, hasta el diseño y ejecución de los aspectos estéticos, narrativos y técnicos involucrados.
Maneja la técnica, la narrativa y la estética de la imagen y el sonido, al igual que los *códigos audiovisuales y narrativos que rigen cada uno de los distintos géneros audiovisuales (documentales, reportajes, largometrajes, video clip, animaciones, ficción, videoarte, etc.)
Conoce la organización y modo de funcionamiento de los medios de comunicación audiovisuales (Televisión, Cine, Internet, etc.)
Visualiza la aplicación del mensaje audiovisual a los requerimientos estratégicos de las organizaciones, manejándose en el contexto empresarial y organizacional.
Aborda desde la creación de películas o programas de radio, hasta la realización o la producción de programas del tipo informativo, recreativo, musical o publicitario en cualquiera de los medios (radio, televisión, cine y vídeo).
Tareas o actividades específicas que se realizan en la profesión
Propone soluciones comunicacionales innovadoras y realistas en lenguaje audiovisual para producir mensajes claros y comprensibles.
Coordina la puesta en escena de eventos y/o realizaciones audiovisuales, llevando el manejo y control de la iluminación, sonido y musicalización (múltiples proyectores, pantallas, además de otros efectos de animación para lograr un fuerte impacto expresivo).
Se encarga de que el sonido sea proyectado o amplificado de la manera más acorde con la clase de sonido que sea (discurso, música de uno o de otro tipo...), con la sala y con el equipo disponible y hacer que llegue de la mejor manera posible al escucha.
Administra los recursos técnicos y materiales en empresas del rubro audiovisual.
Realiza videos institucionales desarrollando mensajes audiovisuales capaces de resolver problemas de comunicación dentro de la organización.
Realiza gestión de empresas audiovisuales
Crea y desarrolla productos audiovisuales como programas comunicacionales, spot publicitarios, video clip, ciberseries, animación, juegos de video, sitios Web, cine, documentales, cortometrajes, largometrajes, etc. en ámbitos como la Televisión, cine, video, radio y multimedia.
En ellos:
Elabora pautas y guiones de programas.
Opera y realiza montajes de diversos equipos audiovisuales combinando y sincronización los distintos elementos visuales, de sonido, narrativos y elementos técnicos que intervienen. Realiza grabación, reproducción de sonidos, edición y post-producción de productos audiovisuales. Para ello emplea tanto tecnologías tradicionales de video y audio, como las nuevas tecnologías digitales.
En los géneros como cine, largometraje, documentales, etc. puede incorporarse en tareas de:
- Guión
- Producción
- Realización
- Sonido
- Dirección (de *Casting)
- Cámara, Fotografía y Dirección Fotográfica
- Dirección de Arte
- Postproducción (Edición y Montaje)
La forma y los fines de un guión dependen enormemente de a qué medio vaya destinado, no siendo lo mismo un guión de radio, de televisión o de cine.
Dentro del guión cinematográfico, se distinguen: guión literario y guión técnico.
El guión literario involucra cómo transcurre el diálogo, como actúan los personajes, con qué objetos interactúan, secuencia, cambios de escena, así como breves descripciones del entorno en el que va a acontecer (si la acción sucede en interiores, exteriores, de día o de noche), etc., para ir propiciando un acercamiento al tema de la puesta en escena.
Analiza escena por escena a profundidad para reconocer en ellas su utilidad, sentido, composición, estructura dramática, validez, planteamiento, etc.; siempre en función de encontrar un ritmo adecuado.Un buen guión literario tiene que transmitir la información suficiente para que el lector visualice la película.
Se usa además para mostrar a productores potenciales, actores, patrocinadores, miembros del equipo creativo, y cualquier otra persona que requiera conocer la historia, personajes, y sentimiento general de la película.
Una vez finalizado el guión literario se pasa al guión técnico, que describirá con detalle como la cámara va a captar toda esa información.
El guión técnico es un guión elaborado por el director de cine luego de un estudio y análisis minucioso del guión literario. En esta fase el realizador puede suprimir, incorporar o modificar pasajes de la acción o diálogos.
El guión técnico debe contener cuáles serán las secuencias de las tomas y los planos (lugar y ángulo desde donde la cámara capta los personajes, objetos y elementos de imágenes), se ajusta la puesta en escena, incorporando las indicaciones técnicas precisas: encuadre (composición fotográfica que quedará encerrada en el cuadro o enfoque), posición de cámara, decoración, sonido, play-back, efectos especiales, iluminación, etc.
El guión técnico entrega todas las indicaciones necesarias para poder realizar el proyecto. Esto favorece la planificación a producción, iluminación y sonido entre otros equipos que participan de la realización.
Cuando existen problemas de interpretación de las tomas, se recurre a dibujarlas en un guión gráfico *story-board.
Los Storyboards son una serie de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de servir de guía para entender una historia, pre-visualizar una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o filmarse.
Un storyboard proporciona una disposición visual de acontecimientos tal como deben ser vistos por el objetivo de la cámara. Sirve para ayudar a los directores y los cineastas a visualizar las escenas y encuentran problemas potenciales antes de que ellos ocurran. Los storyboards incluyen instrucciones o apuntes necesarios que servirán a que el equipo de trabajo para que este se desarrolle dentro de un plan pre establecido. Gracias a este elemento, el director puede desglosar y segmentar su filmación sin seguir estrictamente el orden lógico de la *trama.
-ProducciónComo Productor tiene la responsabilidad financiera y comercial en la organización de la realización de una obra cinematográfica interviniendo en las distintas etapas de desarrollo del proyecto hasta su comercialización (distribución y exhibición).
Entre estas labores:
Busca fuentes de financiamiento o asociaciones temporales con entidades para la producción. Y otras modalidades para conseguir recursos como la inversión directa, la venta de publicidad, u otros mecanismos para vender un proyecto.
Elabora el presupuesto y plan de *rodaje para el proyecto.
Maneja los recursos humanos y técnicos, los tiempos, la administración y la organización. Por ejemplo realiza el cronograma de actividades, asigna fechas límites que incluyan un primer plan de rodaje y un tiempo concreto para cada etapa de producción.
Se preocupa por el inventario del material disponible para trabajar, de las localidades donde se llevarán a cabo las filmaciones u otras necesidades específicas.
Determina las contrataciones, seguros, recursos, etc.
Analiza métodos creativos para bajar costos en la realización audiovisual.
-Realización
Como realizador dirige y coordina al equipo de profesionales que están a sus órdenes.
Especifica cada rol y determinar los cargos y funciones específicas: cámara, sonidista, director, director de arte, montaje, entre otros.
Asigna tareas específicas para cada integrante del grupo de acuerdo con su cargo
Ajusta el trabajo al plan de rodajeDetermina la manera en que se ha de desarrollar la puesta en escena.
Especifica cómo abordar el lenguaje audiovisual con el manejo y posibilidades de la cámara, la narración, el drama, el tiempo, el espacio y los actores.
En el rodaje mismo de una filmación está encargado de la mesa de sonido, así como de comprobar que el sonido obtenido en cada toma es el deseado, limpio, y sin interferencias u otros sonidos que resten claridad al diálogo de los actores.
Selecciona la musicalización de la pieza audiovisual
En la etapa de post-producción realiza la edición, procesamiento, mezcla y reproducción utilizando para ello, software e instrumentación electrónica.
Dirige la filmación de la película, dando instrucciones a los actores, decidiendo la puesta de cámara, supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.
-Cámara, Fotografía y Dirección de Fotografía
Utiliza las cámaras de fotografía y de cine desde el punto de vista artístico y técnico, sabe qué imágenes tomar y cómo se deben ver a través del objetivo para transmitir un efecto determinado; explora la luz, el entorno, los espacios, los personajes y de cómo deben gesticular, cómo mirar a la cámara, y qué técnicas y equipos utilizar en la creación audiovisual.
Debe definir una propuesta visual para la obra, haciendo énfasis en la función narrativa que ésta tiene a partir de la cámara, la luz, las tonalidades, atmósferas y los encuadres, etc. Esto último supone una reflexión acerca de la ubicación de la cámara (con un primer reconocimiento de sus funciones y posibilidades), la iluminación en general, su relación con los planos, los actores, el manejo de luz natural, las condiciones de lugares exteriores e interiores, entre otros.
El Director de Fotografía presenta al Director de Arte los avances y así este último hace la introducción sobre los aspectos básicos de la dirección de arte en relación a la fotografía, acerca de sus intenciones y expectativas para el trabajo de arte en el producto audiovisual.
En las localidades donde se haga el rodaje, se llevará a cabo de modo conjunto entre Fotografía y Arte las posibles ubicaciones de cámara.
-Dirección de ArteLa dirección de arte, es la plasmación del proyecto plástico de una película, es decir, la escenografía, el vestuario, maquillaje, la ambientación, el decorado, la creación de atmósferas de luz y en definitiva, todo lo que se ve físicamente en la película.
Maneja los símbolos, colores, y la estética de la comunicación, es decir todo lo que configura el universo estético de la obra audiovisual.
En este trabajo se atienden todos los componentes que pertenecen a la escena, desde el detalle más pequeño e insignificante (como puede ser la pluma colocada encima de la mesa), hasta la composición de la cámara.
-Post-Producción
Post-Producción Es el Pulido final del montaje de la pieza audiovisual, se realiza en el laboratorio una vez que se ha hecho el rodaje de la película.En esta etapa se realiza la edición y el montaje, es decir se selecciona la parte del material del rodaje que el director de la película ha aprobado , se va uniendo paso a paso todas las escenas y secuencias dándoles una unidad expresiva, se lleva a cabo la sincronización sonido-imagen, se manipula la imagen con efectos digitales, etc.
Campo OcupacionalCanales de Televisión
Productoras de cine, video y multimedia
Centros de post-producción audiovisual
Departamentos audiovisuales de empresas
Servicios técnicos y creativos a la realización audiovisual (cámara, iluminación, producción, postproducción)
Emisoras de Radio
Sellos Discográficos.
Agencias de publicidad
Gabinetes de prensa de organismos públicos.
Empresas orientadas a la comercialización de piezas audiovisuales.
Empresas relacionadas con las artes gráficas.
Docencia.
Formar su propia productora y crear. (Edición, Montaje)
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